Si nos ceñimos al rock –de nuevo–, el pop y sus directos derivados, la abundancia de películas demuestra hasta qué punto son las figuras ideales para los rentables códigos de esta variante genérica que admite algo de comedia, intriga, alegato social y, sobre todo, drama, mucho drama. Algunos ejemplos:

“The Doors” (Oliver Stone, 1991). Filme que, pese al título grupal, puede verse como un biopic de Jim Morrison.

“Tina” (Brian Gibson, 1993). Ortodoxia –en todo– sobre Tina Turner.

“Ray” (Taylor Hackford, 2004). Decálogo de cómo contar la historia de un hombre negro y ciego, Ray Charles, que acaba reinando entre blancos.

“Beyond The Sea” (Kevin Spacey, 2004). Un académico filme dirigido e interpretado por el actor en torno a la figura del ídolo teen pop Bobby Darin.

“Nowhere Boy” (Sam Taylor-Johnson, 2009). Sobre la vida de John Lennon antes de formar The Beatles. El filme dialoga con “Backbeat” (Iain Softley, 1994), centrado en el período del grupo en Hamburgo, entre 1960 y 1962, y para cuya grabación musical se creó el efímero supergrupo indie The Backbeat Band, formado por Greg Dulli, Don Fleming, Dave Grohl, Thurston Moore y Mike Mills.

“The Runaways” (Floria Sigismondi, 2010). Cuenta la historia de The Runaways con unas improbables Kristen Stewart y Dakota Fanning como Joan Jett y Cherie Currie y un Michael Shannon impecable como Kim Fowley.

“Jimi. All Is By My Side” (John Ridley, 2013). Filme sobre Jimi Hendrix que apenas ha circulado.

“Phil Spector” (David Mamet, 2013). Resbaladiza visión del productor realizada para la televisión por el autor de “American Buffalo” (1996).

“Love & Mercy” (Bill Pohlad, 2014). Uno de los mejores biopics musicales: profundiza en la obra de Brian Wilson –interpretado en dos épocas distintas por Paul Dano y John Cusack– a través de sus problemas en el oído, experiencias con el LSD, episodios psicóticos y la relación con el terapeuta Eugene Landy.

“I Feel Good. La historia de James Brown” (Tate Taylor, 2014). Con uno de los primeros papeles protagonistas para Chadwick Boseman.

“Straight Outta Compton” (F. Gary Gray, 2015). Buena aproximación a la revolución gangsta rap implantada por N.W.A.

“Bohemian Rhapsody” (Bryan Singer, 2018). O cómo Freddie Mercury se merienda a Queen.

“Rocketman” (Dexter Fletcher, 2019). Glam en todo, lo que resulta muy coherente, para esta fantasía sobre Elton John.

“Respect” (Liesl Tommy, 2021). Discreta aproximación a un personaje expansivo como Aretha Franklin.

“Elvis” (Baz Luhrmann, 2022). O cómo el director de “Moulin Rouge” (2001) lleva a su terreno el icono Presley mientras representa al coronel Parker como una cucaracha.

La mayoría de estos filmes ofrece lo que espera el espectador. Pero hay algunas fugas notorias. Por ejemplo “I’m Not There” (Todd Haynes, 2007), inabarcable, poliédrica y libérrima aproximación a Bob Dylan que se salta todas las reglas de la biografía tradicional para elaborar un puzle del cantautor a través de múltiples personalidades. Haynes ya había dado su peculiar versión de la vida de Karen Carpenter en “Superstar. The Karen Carpenter Story” (1987), un mediometraje filmado con muñecas Barbie. Y ha acariciado durante años el proyecto de evocar la vida y obra de la cantante Peggy Lee. También “Control” (Anton Corbijn, 2007), que retrata a Ian Curtis y los tiempos de Joy Division siendo al mismo tiempo un gran relato sobre la experiencia musical. Se complementa bien con “24 Hour Party People” (Michael Winterbottom, 2002), en torno a Tony Wilson, Factory Records y la escena de Mánchester a finales de los setenta.

Jazz, blues, folk y country han generado igualmente películas entre la aceptación y el rechazo de las reglas de este modelo cinematográfico. “El ocaso de una estrella” (Sidney J. Furie, 1972) es acartonada, pero Diana Ross se esfuerza en ser Billie Holiday. “Bird” (Clint Eastwood, 1988) es de otro mundo estética, ética y musicalmente, diría que el biopic perfecto, sostenido y equilibrado, con una formidable banda sonora en la que Eastwood y Lennie Niehaus aislaron y restauraron las grabaciones originales del saxo de Charlie Parker y registraron de nuevo la sección rítmica, piano, otros vientos y cuerdas. “Miles Ahead” (Don Cheadle, 2015) es un curioso capricho en el que el mismo Cheadle encarna a Miles Davis durante los años en que desapareció de la vida pública. “Bessie” (Dee Res, 2015) tiene el interés de ver a Queen Latifah haciendo de Bessie Smith, y “Django” (Étienne Comar, 2017) resulta una aplicada visión de la andadura del guitarrista Django Reinhardt con música incidental de Warren Ellis. “Esta tierra es mi tierra” (Hal Ashby, 1976) es tanto un filme sobre Woody Guthrie como un retrato de la época de la Gran Depresión y los polvorientos dust bowl. “Quiero ser libre” (Michael Apted, 1980), “Dulces sueños” (Karel Reisz, 1985) y “La vida en rosa” (Olivier Dahan, 2017) valen lo que sus actrices: Sissy Spacek, Jessica Lange y Marion Cotillard como Loretta Lynn, Patsy Cline y Édith Piaf, respectivamente. “En la cuerda floja” (James Mangold, 2005) suaviza demasiado la aridez en la música y relaciones de Johnny Cash y June Carter (Joaquin Phoenix y Reese Whiterspoon): diseñada para los Óscar.

Hablemos de otros estilos musicales, porque el biopic lo devora todo. A “Maestro” (Bradley Cooper, 2023), otra estampa fílmica de artista genial, controvertido, individualista y bisexual –cuando la condición sexual debía esconderse– podemos sumar “Noche y día” (Michael Curtiz, 1946), que disimulaba muchas cosas de la vida privada del compositor de canciones Cole Porter. Entre ellas su homosexualidad, algo impensable de mostrar en pantalla en el Hollywood de los cuarenta pese a que el compositor estuviera encarnado por el bisexual Cary Grant. Kevin Kline le dio vida en otro filme más realista aunque igual de melancólico, “De-lovely” (Irwin Winkler, 2004). También “Música y lágrimas” (Anthony Mann, 1953), visión sentimental del director de orquesta, arreglista y trombonista Glenn Miller, protagonista de la gran era de las big band a finales de los treinta.

Igualmente han tenido sus torturados biopics compositores de música clásica como Wolfgang Amadeus Mozart –la celebrada “Amadeus” (Milos Forman, 1984), centrada en su rivalidad con Antonio Salieri–, Johann Sebastian Bach –en la experimental y fascinante “Crónica de Anna Magdalena Bach” (Danièle Huillet y Jean-Marie Straub, 1968)– y Beethoven –en la ya citada “Amor inmortal”–. Y el ruidoso Ken Russell llegó a convertirlos en un género en sí mismo con sus encendidas y airadas aproximaciones a Piotr Ilich Chaikovski –“La pasión de vivir” (1970)–, Gustav Mahler –“Mahler, una sombra del pasado” (1974)– y Franz Liszt –“Lisztomania” (1975)–, en las que a pesar de cierta reflexión musical lo que priman son las relaciones huracanadas, la homosexualidad escondida, la locura: Russell convirtió el biopic en provocación y en su filme sobre Liszt tuvo la osadía de convertir al compositor romántico en una estrella del rock para escarnio de los fundamentalistas del pentagrama clásico.

Y esto no para. Se encuentra en fase de preproducción una película sobre Michael Jackson, “Michael”. La protagoniza su sobrino, Jaafar Jackson, y la dirige Antoine Fuqua. La familia Jackson está implicada directamente en la producción, por lo que no es de extrañar que se haya anunciado como un relato en torno a su carrera musical con pinta de panegírico, sin ahondar para nada en cuestiones más espinosas. ∎