on ya 17 años de carrera, pero de alguna manera el tiempo se paró para Future Islands con el éxito de “Singles” (4AD, 2014). Las diferentes perspectivas que han tenido sus trabajos posteriores no han obtenido los mismos réditos, pero el cuarteto ha permanecido activo, a la espera de que talento e inspiración convergieran para recrear un trabajo equiparable a su obra magna.

Cada uno de los miembros de la banda ha pasado por unas intensas vivencias en los últimos tiempos, también marcados por el coronavirus. El carismático Samuel T. Herring (voz) ha atravesado una nueva ruptura sentimental, con la gélida Suecia como escenario de no retorno. Además, ha ampliado sus capacidades artísticas con un pequeño papel en la serie “The Changeling” (Kelly Marcel, 2023-). William Cashion (guitarras y bajos) también ha padecido las consecuencias del desamor. El destino ha sido más benévolo con el teclista Gerrit Welmers, que ha estrenado paternidad, y el percusionista Michael Lowry. La constante indagación de estos últimos en las posibilidades de teclados y batería ha revitalizado su rol dentro de la banda.

“People Who Aren’t There Anymore” (4AD-Popstock!, 2024) es el punto donde convergen sus historias personales, la resiliencia anímica forjada a través de la superación de los reveses, la identificación con una particular manera de hacer música en canciones como “Deep In The Night” y la vocación por explorar nuevas vías en otras como “Iris”. Pese a que el álbum sale a la luz casi inmediatamente después de que hayan dado más de 1500 conciertos, tiene su inicio en la pandemia. El encierro les dio el tiempo suficiente para meditar, contar con los dos productores que mejor resultado les han dado y dar con la tecla para crear un nuevo cénit en su carrera. Sam y Mike se sinceran sobre el momento actual de la formación, con la serenidad que otorga la longevidad de su proyecto común.

Apenas habéis terminado la gira y ya hay un nuevo álbum.

Sam: Lo extraño de este disco fue que cuando comenzamos a escribir las primeras canciones aún estábamos en plena pandemia. Sacamos un álbum a finales de 2020 (se refiere a “As Long As You Are”) y no pudimos hacer una gira hasta finales de 2021, por lo que la mayor parte de ese año estuvimos escribiendo canciones. Escribimos dos o tres canciones en 2020, otras cuatro o cinco en 2021 y las últimas a principios de 2022. Así que en ese momento estábamos yendo al estudio y grabando canciones como “Peach” y “King Of Sweden”, que salieron hace tiempo. Creo que la gente estaba feliz y sorprendida a la vez. Estoy contento de que estén en el álbum, pero también me resultan antiguas. En cualquier caso, son una parte importante del disco porque nuestros álbumes son crónicas de nuestras vidas; el álbum es muy representativo de un período de dos años y medio, tres años de nuestras vidas y habla de lo que todos pasamos en la pandemia. Hay historias personales, pero te das cuenta de que mucha gente pasó por lo mismo. Hemos ido despacio. En realidad deberíamos haber terminado este álbum un año antes de que saliera. Y eso también es algo extraño acerca de lanzar discos, que por lo general se publican mucho después de que se escriban las canciones. Las emociones son del inicio, pero hay canciones dentro de este disco que todavía estoy entendiendo. Especialmente a través del proceso de hablar sobre ellas y el álbum, estoy descubriendo que todavía hay mucho por desempacar de los últimos tres años.

¿A qué se refiere el título del álbum? ¿Se trata de pérdidas relacionadas con el amor o de un nuevo comienzo?

Sam: La razón por la que nos impactó individualmente de diferentes maneras fue que lo sentimos como un título muy potente. Me vienen varias cosas a la cabeza: cómo podrían ser las cosas, cómo cambiarse a uno mismo o también cómo todo el mundo acaba de pasar por este trauma colectivo (se refiere a la pandemia). Para mí, se trata de relaciones, de cómo son estas relaciones con las personas y cómo luego nos convertimos en parte de las vidas de los demás. Y después, cuando pasamos por rupturas, simplemente nos dejamos de hablar. Las personas que son como segundas madres y padres, las que se convirtieron en nuestras familias, simplemente se alejan de nosotros o, en su defecto, la relación cambia. Creo que para William significaba algo diferente, significaba su viaje personal, la forma en la que el “yo” cambia. Para Gerrit tenía más que ver con ser padre y tener que despedirse de su hijo y su esposa, y con cómo la gira estaba cambiando las cosas.

Mike: Cada vez que escucho esa frase, “personas que ya no están”, me vienen muchas cosas a la cabeza. Para mí fue una manera muy evocadora de hablar sobre la impermanencia de la experiencia humana. Y simplemente hay que acostumbrarse a eso. Como tengo diez años más que el resto del grupo me doy cuenta de que estoy entrando en una fase de mi vida en la que ya no soy indestructible. Tengo una actitud diferente, a largo plazo. El título, para mí, como ha dicho Sam, apunta a cosas que están cambiando en nuestras vidas: mi pareja y yo o nuestros padres, que están envejeciendo. Estamos empezando a ver cómo nuestros roles pasan de ser hijos que aún necesitan el cuidado de sus padres a ser los cuidadores. Y eso tiene muchas implicaciones. Todo está cambiando constantemente, nos guste o no. Algunas cosas las podemos controlar, muchas otras no. Creo que tenemos la mayoría de cosas fuera de nuestro control y hay que ver cómo se reconcilia eso de una manera que no sea destructiva y en la que puedas aprender de ello.

Es el comienzo más ambicioso de un álbum desde “Singles”, con “King Of Sweden” y “The Tower”.

Sam: Es gracioso, porque en “Singles” nosotros no fuimos los que quisimos abrir con “Seasons (Waiting On You)”. Queríamos abrir con “Back In The Tall Grass”, que es un medio tiempo con una vibra ascendente. Y el jefe de nuestro sello, Simon Halliday, simplemente dijo “no, hay que abrir con ‘Seasons’”. Y resultó muy positivo. A partir de ahí no quisimos saber nada de lo que él pensaba que debería iniciar “The Far Field” (4AD, 2017) y “As Long As You Are”. Esta vez pensé “bien, tal vez deberíamos escuchar a Simon, ¿qué pondría él?”. “King Of Sweden” te introduce en el álbum. Abre la puerta a nuestro mundo. Es un gancho, atrapas a la gente muy rápido. Yo fui el que quiso abrir con “Glada” en el último álbum, creo que funciona conceptualmente y es una apertura suave para invitar a la gente a un mundo. Pero es muy diferente a si hubiéramos ido directamente a algo seguro y simplemente hubiéramos propuesto bailar a la gente.

¿Qué ha significado el regreso del productor Chris Cody después de “Singles” y cómo ha sido el trabajo junto a Steve Wright, quien ya estuvo en “As Long As You Are”?

Mike: Establecimos una relación muy fluida con Steve durante la realización de ese disco. Y su estudio estaba justo en el centro de donde todos estábamos en ese momento. Era muy fácil entrar, reservar tiempo y ponerse a trabajar. Gerrit acababa de ser padre, así que era fácil para él ir y venir. Pero estábamos frustrados por la rapidez en el lanzamiento de “The Far Field”. Al final fue bien, pero a partir de ahí quisimos tomarnos un poco más de tiempo y asegurarnos de hacer algo que realmente nos emocionara. Steve es un tipo bastante relajado, son un buen par de oídos adicionales. Sabía cuándo animarnos, podías decirle “Steve, quiero que suene así”, y él lo conseguía. Y creo que con Coady hay un rango en la mezcla que resalta realmente los tonos medios-altos y los sonidos de los sintetizadores dándoles mucho carácter.

Sam: Trabajar con Chris fue genial y diferente a la primera vez. William estaba interesado en escuchar otra perspectiva y ver qué haría Chris Coady con algunas de estas canciones. Hicimos algunos experimentos y al principio no funcionaron porque ya habíamos trabajado tanto con Steve que encontramos ciertas dinámicas dentro de las canciones y los arreglos, y al inicio Chris los estaba borrando. Así que terminaron haciendo algo que ninguno de los dos había hecho antes. Les preguntamos si estaban dispuestos a permitir que Chris mezclara las propias mezclas de Steve en lugar de reiniciar todo, porque Chris estaba aportando algo que ya estaba allí. Era como algo intangible, una vibra que estaba fusionando las cosas, pero estaba perdiendo muchas de las dinámicas en las que habíamos trabajado durante un año y medio. Queríamos ver si había una forma de mantener el sonido dinámico y la claridad de Steve mientras añadíamos algo de las mezclas de Chris. Ambos aceptaron y nos gustaron los resultados. Es como si hubiera tres álbumes diferentes en uno; si Chris o Steve lo hubieran mezclado solos, sería diferente. Cogimos lo mejor de los dos mundos. Chris hizo nuestro disco más exitoso, pero Steve, en mi opinión, hizo nuestro disco con un sonido más claro. “As Long As You Are” fue la primera vez que al menos William, Gerrit y yo nos sentimos realmente contentos con la forma en la que sonaba un disco. En esta ocasión teníamos tiempo, porque estábamos en la pandemia, no había prisa y los cuatro pudimos hablar sobre las mezclas y asegurarnos de que todos estuviéramos contentos.

Hay muchas canciones como “The Thief” o “Say Goodbye” donde los arreglos de teclado son básicos. ¿Gerrit exploró nuevos sonidos?

Mike: Sí, creo que realmente ha ido en esa dirección durante el último año, tratando de encontrar algunos sonidos nuevos, y parece que lo ha logrado. Está tratando de obtener nuevas vibraciones.

Sam: Comenzó a usar sintetizadores analógicos reales. A Gerrit siempre le gusta construir algo nuevo. Creo que ha dado pasos en los últimos años para inspirarse, desafiarse a sí mismo y descubrir nuevos sonidos. Y creo que ha estado llevando su juego al siguiente nivel en el mundo de los sintetizadores, agregando más color a lo que hacemos, lo cual es muy agradable. Y, por supuesto, Mike, a mis padres les encantan tus tambores en este disco.

Mike: ¡Oh, genial!

Sam: Sí, dicen “Mike está arrasando”.

Mike: Ah, genial, gracias.

Sam: Pero hay ciertas cosas en ese apartado también. Una canción como “Iris” son Mike y Gerrit adentrándose en un nuevo territorio para la banda, y fue apasionante para mí. Me permitió explorar nuevas ideas.

Es una canción relacionada con el músico nigeriano Mamman Sani.

Mike: Siempre me ha gustado la música africana y siempre estoy buscando. Los años setenta y principios de los ochenta fueron una época genial. Tenía uno de sus discos, “Taarit” (2014). Recoge canciones compuestas en la segunda década de los ochenta y lo escuchaba durante la pandemia. Era lo primero que ponía por las mañanas para mí y para mi pareja. También estuve escuchando mucho a Tony Allen, Fela Kuti y cómo alguien como Steve Gadd es capaz de incorporar el ritmo en “50 Ways To Leave Your Lover”, de Paul Simon, que es universal e intenso. Estaba tocando encima de discos de Mamman Sani, William Onyeabor y gente así, simplemente jugando y tratando de encontrar algo nuevo, y surgió ese ritmo. Fue una mezcla de muchas pequeñas influencias que se unieron. Me gusta el afrobeat y diferentes tipos de música del mundo. Y estaba tratando de incorporar algunas de esas cosas a nuestro universo.

Sam, ¿hay alguna implicación de tu trabajo en televisión en “The Changeling”? Quiero decir, ¿ganaste más confianza en ti mismo? ¿Hay algún aspecto que se pueda ver en el álbum?

Sam: Quizá no dentro del álbum, pero podría ser algo que se refleje en el futuro. Todas las canciones estaban escritas cuando empecé a filmar, excepto “The Garden Wheel”. Sí ha influido en el escenario. Hubo algo que volví a aprender: mi mayor miedo al asumir este desafío de actuar en la serie de televisión era la pequeña pantalla. Cuando la cámara está cerca no puedes exagerar tus emociones; todo tiene que ser mucho más contenido. Y me preocupaba que no pudiera hacer eso inicialmente. Me encanta el escenario, me encantan esos grandes gestos que hago. Tuve que aprender a ser pequeño. Trabajé con un coach durante algunas sesiones y hablaba de cómo contener las emociones y conectar con las palabras. Cuando llevé eso al escenario, me di cuenta de que no tenía que hacer tanto, porque hay una diferencia entre actuar y conectar con las palabras y las historias, pero si estás conectando con las palabras y las historias, entonces estás actuando, estás pasando por un conjunto de emociones que son íntimas para ti. Eso lo entendí cuando era más joven, cuando estábamos en escenarios más pequeños, cuando tocábamos en sótanos y salas de estar y la gente estaba justo enfrente. Estaba haciendo ese trabajo, intentaba conectar con las canciones y las emociones, pero a medida que los escenarios crecían, el baile se convirtió en una parte más presente, parte de mí perdió un poco de esa comunión con las inspiraciones iniciales y la narración de historias. Así que cuando volví al escenario en medio del rodaje simplemente jugué con eso: déjame ir hacia mí mismo e interpretar estas canciones. Y sentí que realmente, a pesar de que eran movimientos más discretos y personales, algo estaba sucediendo, se estaba conectando con la gente. Era algo que ya sabía, pero lo había perdido.

“Give Me The Ghost Back” es una de las mejores canciones del álbum. ¿Por qué no salió como sencillo?

Mike: Esa es una buena pregunta.

Sam: Es una de las canciones más de rock gótico que hemos escrito. Es un punto de apoyo emocional dentro de la historia, dentro de la vida real que sucedió. Considero que es como el quiebre emocional y mental durante la pandemia.

Mike: No estábamos pensando que esa canción no pudiera ser un single. No hay una razón real, no fue una decisión intencional de poner esta canción en segundo plano ni nada por el estilo.

En su letra, Sam canta: “Tuve que luchar para recuperar las riendas de mi vida”. Da la sensación de que la estabilidad se antoja una quimera para vosotros.

Sam: En cada álbum de Future Islands, hay una canción suicida, una canción sobre bailar con la noche, querer entrar en esos espacios y mirar a la muerte. Y esa es una canción sobre luchar contra eso, luchar contra la luz blanca y fría, no ir hacia la muerte. Es esa idea de sentir que no tienes el control, de que eres un animal que necesita ser controlado, pero ahora soy yo quien va a tomar las riendas. Voy a luchar contra ese impulso de ir hacia la muerte. Es personal, así es como me siento en mi vida. Gran parte de nuestra música son cosas que necesito escuchar y que quiero que otras personas escuchen porque no quiero que se sientan solas en ciertos sentimientos; eso también está relacionado con mi adicción a las drogas. Las cosas que controlamos y las cosas que nos controlan. La parte de la adicción a las drogas, por supuesto, se relaciona con esa idea de cortejar a la muerte.

En “Peach” insistes en una idea que estaba en el álbum “The Far Field”, que es ayudar al otro. ¿Estamos en un momento en el que el apoyo mutuo se está convirtiendo en algo básico?

Sam: Sí, creo que es algo que hay que reiterar una y otra vez. Es muy fácil no aceptar ayuda y pensar que se pueden hacer las cosas solo hasta que se está en un lugar donde se necesita desesperadamente apoyo. La mayoría de las personas quieren estar allí para sus amigos, pero rara vez piden ayuda ellos mismos. Y tengo que aprender a llegar a las personas que están ahí por mí y recordar que hay personas que están ahí para mí. ∎