Viernes, 29 abril, Teatro de la Laboral

El performer canadiense Martin Messier se encargó de inaugurar de facto las actuaciones en directo, y lo hizo presentando la pieza “Echo Chamber”. Es una propuesta cuyo impacto visual parece rozar la mímica o la sucesión de trucos de magia, en una concepción de la música electrónica que enlaza con los Intonarumori de Luigi Russolo. El encanto de la pieza reside en el magnetismo del instrumento principal, una cámara de eco inusual que resulta primitiva en un contexto tan tecnificado como extrañamente acorde a ese pequeño desfile de sorpresas que suele ser el escenario del Teatro de la Laboral. Los paneles que usa para crear sonido se convierten en protagonistas de los visuales, creando un juego de sombras chinescas que cautiva y divierte, en una instalación que bordea de forma muy agradable lo circense. SF

Viernes, 29 abril, Teatro de la Laboral

Myriam Bleau siguió a Messier en el mismo escenario. Su “Unsculpt” llenó el teatro de pasajes glitch que resultan evocadores, particularmente para aquellos que crecieran con una informática –la de los últimos 90 y primeros 2000– que hoy suena a reliquia, pero que en su momento portaba la llama de un futuro patrocinado por Microsoft. En “Unsculpt” la arquitectura efímera y los paisajes digitales –difusos, pixelados– tienen un aire onírico y en ocasiones son conmovedores. La música evita lo melódico y la repetición, ignorando la idea de patrón, dejándose llevar por el cambio permanente de unos visuales en los que las estructuras representadas –edificios 3D pixelados, movimientos cadenciosos por paisajes virtuales que parecen renderizados sin esfuerzo– buscan llevarnos al territorio del sueño, del equilibrio entre lo perturbador y lo familiar. Lo consigue en los momentos más exitosos de la performance. Cuando hace seis años la artista de Montreal presentó en el mismo lugar “Autopsy.glass”, su propuesta era física y tensa. Ahora es etérea, más sutil, quizás menos impactante, pero con más poso. SF

Sábado, 30 de abril, LABoral Centro de Arte

Los beats de Sam Barker, que combinaba su propuesta con la obra visual de Reza Hasni, remitían a los 90. Habitual de cabinas tan prestigiosas como las de Berghain, activa el recuerdo de aquella etiqueta tan pretenciosa como descriptiva: IDM. Contó con un público entusiasta y ejecutó bien su set, pero la propuesta tenía un claro poso revival que se convirtió en el elefante en la habitación a la hora de analizar parte del cartel. ¿Cuándo deja un artista de ser vanguardista para hacer algo que, aunque nos resulte inconcebible, no deja de ser canalización de sonidos del pasado? ¿Cuál es la relación de un festival que se entiende a sí mismo como laboratorio con ese pasado? El halo de vanguardia cultural de la electrónica de baile resulta dudoso si recicla sus propios clichés. Los “sonidos de Marte” de los que hablaba David Stubbs cada día son más terrenales, lo cual tiene claras ventajas pero también hace que el festival se tenga que replantear un elemento esencial: ¿Está la vanguardia en 2022 en el mismo lugar que en 2007? SF

Sábado, 30 de abril, Museu del Pueblu d’Asturies

Se suele englobar el trabajo de la norteamericana Jana Rush bajo la etiqueta footwork, pero la falta de convencionalidad en su último álbum, “Painful Enlightenment” (2021), la acerca al IDM experimental. Rompe continuamente los límites del género, toma samples que van desde gemidos de personajes que parecen salidos de un videojuego a calmados y melódicos punteos de guitarra y arrullos de pájaros. Construyó “Painful Enlightenment” mientras combatía la depresión y los pensamientos suicidas. Sin embargo, en su actuación hizo una selección de sus cortes más enérgicos y bailables de footwork y alguno cercano al house. El público vitorea entre los rápidos cambios entre tema y tema, a lo que ella responde con una agradecida y confiada sonrisa tras sus misteriosas gafas de sol. Empezó a pinchar con 10 años y a producir durante su adolescencia. Esta veteranía explica la meticulosa superposición rítmica que hace que el cerebro dedique toda su energía a seguir el ritmo con el cuerpo. TF

Sábado, 30 de abril, Teatro de la Laboral

Entre todos los artistas del cartel, Jason Sharp es uno de los que más se aleja de ideas preconcebidas. Su propuesta, resumida en álbumes como “The Turning Centre Of A Still World” (2021), ha encontrado cobijo en el sello canadiense Constellation. No es casual. Igual que sucede con la música de Godspeed You! Black Emperor, la obra de Sharp tiene querencia por la repetición y el crescendo. Su aparato expresivo se centra en los instrumentos de viento-metal y en su propio cuerpo. Conecta un monitor cardíaco a una maquinaria de sintetizadores modulares, guiando la ejecución de los instrumentos de viento-metal con su percepción física del entorno. El pulso del artista de Montreal se funde con los drones del saxofón, consiguiendo de forma tangible y efectiva que la sensación física del baile se traslade a la música, sin intermediarios: desde el sistema circulatorio de Sharp a nuestros oídos. El corpus de cine experimental analógico que lo acompañaba en las visuales hizo la experiencia aún más conmovedora. Sensacional. SF

Sábado, 30 de abril, Museu del Pueblu d’Asturies

El londinense Mike Paradinas, fundador del sello Planet Mu, es más conocido por su nombre artístico µ-Ziq. En su actuación, que seguramente ha complacido tanto a los fans más antiguos como a los nuevos, revisitó referencias estilísticas del IDM de los 90, tomando sobre todo del jungle y el techno y llevándolos a direcciones novedosas. El uso del software contemporáneo es, posiblemente, parte responsable de esta actualización del ya conocido estilo melódico de µ-Ziq, cargado de contrastes sorprendentes. Existe una sensación nostálgica y al mismo tiempo fresca en esta unión entre el jungle palpitante y energético y las melodías espaciales, que te mantienen en un introspectivo estado de embriaguez. TF

Sábado, 30 de abril, LABoral Centro de Arte

Squarepusher era el nombre estrella del festival, tanto si nos atenemos a cifras de Spotify como si nos fijamos en el impacto de sus propuestas. Vinculado a un sello de prestigio incontestable como fue Warp, aupado por un sonido más que notable, el directo de Tom Jenkinson ha permanecido imperturbable con los años: una mezcla de sonidos orgánicos –particularmente un bajo eléctrico de cinco cuerdas que procesaba hasta lo indecible– y bases hiperaceleradas que no han perdido la agresividad desde que fuera uno de los pioneros del drill’n’bass en los 90. Si en el concierto de μ-Ziq –o en el revival footwork de Jana Rush– uno pudo darse cuenta de que los 90 estaban muy presentes, Squarepusher propuso un viaje en el tiempo al acid jazz y al drum’n’bass, a sonidos que él mismo ayudó a definir y matizar, en los que se siente profundamente cómodo. La propuesta del británico no tenía el impacto visual de las performances que habíamos visto desde el día anterior, pero la respuesta del público fue progresivamente cálida y Jenkinson consiguió que la exigente platea se dejara llevar por sus instintos más físicos. SF

Cerró la jornada este dúo indonesio compuesto por Kasimyn e Ican Harem. Han inventado una nueva forma de expresión que fusiona gabber, footwork, grindcore y noise con sonidos de su país de origen como el jathilan (una especie de danza trance en la que “el espíritu posee al cuerpo”), el dangdut koplo (subgénero folk) y el funkot, a medio camino entre el happy hardcore europeo y el dangdut. Gabber Modus Operandi te transportan a un estado donde solo existe el cuerpo. Su faceta noise interrumpe la cadena de pensamientos, pero no importa, porque el acelerado ritmo de la mayoría de sus producciones –junto a sus contundentes y ruidosas bases– tampoco dan margen a pensar en nada. El dúo crea energía escénica solo con sus bailes –movimientos que parecen sacados del teatro kabuki– y una actitud punk que es, por momentos, arrolladora. Afirman que la música en Indonesia es casi un privilegio. No existen demasiadas radios o canales de TV que hayan podido influenciarlos. En ese sentido, su peculiar estilo puede ser una muestra de creatividad poco afectada por la globalización cultural. TF

Domingo, 1 de mayo, Museu del Pueblu d’Asturies

Uge Pañeda es asturiana y residente en Gijón, desde donde produce su proyecto musical bajo el nombre de Okkre. En la actuación del mediodía del domingo, la productora presenta “Noisea”, una pieza articulada a través de grabaciones de campo y múltiples capas de sonidos y ruidos modulados. Pañeda es psicóloga, además de música. “Noisea” investiga los efectos emocionales que pueden producir las frecuencias de ruidos generados en ambientes urbanos. Concretamente, las extraídas de playas urbanas. El público se acomoda en tumbonas, recostado en una posición perfecta para sumergirse en la marea de orquestadas frecuencias que caminan entre el ambient y el noise. Okkre promueve un auténtico ejercicio de austeridad y paciencia, en contraste con la invasión de información con que lidiamos cotidianamente. Un ejercicio de reapreciación de la realidad a través del sonido. TF

Domingo, 1 de mayo, Teatro Jovellanos

El céntrico Teatro Jovellanos acogió la actuación del pianista ucraniano Lubomyr Melnyk, acompañado del colectivo italiano de artistas electrónicos SPIME.IM y la chelista canadiense Julia Kent. Antes de la actuación, Melnyk hizo un llamamiento de ayuda por la dramática situación de su país, y luego presentó una pieza de metáfora ecologista que en ocasiones es de trazo grueso. El glitch, sustancia principal de los visuales, era audaz e hipnótico, pero el acercamiento al minimalismo de capas de piano superpuestas y un violonchelo melodramático tenía sabor a lugar común en muchas ocasiones, a banda sonora pretendidamente emotiva. Los eslóganes ecologistas, del tipo tierra quejumbrosa que grita “all my life I gave you everything and now I live in pain”, no acaban de emocionar, en buena medida porque el conjunto carece de dureza o nervio. El indudable prestigio internacional de Melnyk –sin duda una de las estrellas de la edición y autor de algunos álbumes conmovedores en los albores de su carrera– no justifica este repertorio menor, perezoso, que apunta a grandes temas con ideas no tan brillantes. SF

Domingo, 1 de mayo, Museu del Pueblu d’Asturies

En su actuación en la bucólica localización del Muséu del Pueblu d’Asturies, Maxwell Sterling presentó y reinterpretó composiciones de discos como “Turn Of Phrase” (2021). El artista de Mánchester también acudió a su primer largo, “Hollywood Medieval” (2016), utilizando el contrabajo eléctrico en lugar del tradicional y sintetizadores modulares. En el pasado Sterling fue denominado “clásico moderno” y sin duda su obra está a la altura de tal definición. Toma la organicidad de la música clásica y la manipula electrónicamente hasta que la diferencia entre sonidos tecnológicos y analógicos resulta casi imperceptible. Funde elementos minimalistas, clásicos, de jazz modal e incluso de vaporwave y techno. Su actuación en vivo fue un triunfo en la tarde del domingo y el público no aguantó sentado, bailando con los ojos cerrados y las manos en alto. TF

Kanae –también en Arkanine y Un Bosque Noruego– y Dani Donkeyboy –Fee Reega– se unieron durante el verano de la pandemia para explorar juntos una música que captara sus influencias favoritas, tratando de generar un sonido personal. Fue así como surgió Death Folk 80, que camina entre el post-rock y el post-punk, con referencias a géneros que funcionan como un icono de la multiplicidad de referencias musicales absorbidas por la generación millennial: voces con cierta cadencia propia del trap y bases cercanas al hip hop instrumental y el downtempo. Deathfolk 80 también tiene carácter emo: letras que hacen referencia al amor romántico, al consumo de drogas y a la nostalgia y desgarradores gritos que acercan algunos de los temas al screamo, como símbolo de una callada pero constante angustia que estalla en una manifestación acústica hipnotizante. TF