“La sangre helada” (2021; Movistar+)
Dirección y guion: Andrew Haigh
Música: Tim Hecker
Minuto: 00:28:26. Capítulo 4. Con el cambio de secuencia (la anterior era un flashback de cuando el médico Patrick Summer estaba en el ejército, y ahora estamos de vuelta en la expedición ballenera en el Ártico, en su absoluta degeneración) también cambia la pieza musical. Ahora entra una nota de sintetizador, quintuplicada en diferentes tesituras, en un larguísimo fade in, para que cuando la pieza cobre presencia ni siquiera nos hayamos dado cuenta de que había música, sino que se confunde con el sonido del frío polar. Más una percusión marcial espaciada. Resuena el océano glacial, la banda sonora de Tim Hecker se compone desde las abismales profundidades de los hielos, que se rompen y se convierten en asesinos y en tumbas. Esa distancia casi infinita entre la percusión y la nota desdoblada aritméticamente se acorta con unas líneas de chelo. La percusión, cada vez más orquestal, más Morricone en clave electrónica. La música se va armando en un preámbulo del diálogo de los supervivientes. Reman entre los hielos hasta que encuentran a uno de la tripulación muerto en un charco gélido. Y es ahí cuando la música se entrelaza en fraseos atonales, mezclando timbres muy extremos. Las notas caen como bandadas de focas.

La extraordinaria historia protagonizada por el arponero Henry Drax y el cirujano Patrick Summer durante una expedición ballenera por el Ártico en el siglo XIX transcurre impasible, cronológica, sin concesiones ni ganchos ni subtramas ornamentales. Gélida como el Polo Norte. Tan solo atravesada por unos intermitentes flashbacks del médico que son necesarios para entender por qué él, sin duda el único que está fuera de su hábitat, forma parte de esta expedición suicida, primitiva, atávica, animal. El sensacional score de Hecker, de sonoridades electrónicas, es el cielo y el océano del relato, el éter y el veneno que respira/n.

“Synchronic. Los límites del tiempo” (2019; Amazon Prime Video)
Dirección: Justin Benson y Aarin Moorhead
Guion: Justin Benson
Música: The Album Leaf

Principio de la película. Una pareja comparte una pastilla con un símbolo parecido a un ocho/infinito, una droga de diseño que es la protagonista de la película. Están en una habitación de hotel, vestidos, tumbados en la cama, con la televisión encendida. Después de tragar la pastilla con expectación, él baja en el ascensor a por bebida. Ya nada será igual. La habitación se convierte en una jungla inmensa, con un aborigen y una serpiente. Y del ascensor no se sale a la recepción, sino que te precipitas a la inmensidad de un desierto desconocido. La música es de Jimmy LaValle, firmando con su alias The Album Leaf. Un registro repleto de sintetizadores alarmantes, aunque concreto, místico y existencialista.

Película de extremos, de autores extremos en toda su filmografía. La crítica dice maravillas o espantos. Y supongo que el público opinará algo parecido. Yo estoy entre los fans. Esta historia de dos paramédicos que descubren unas muertes que les resultan sospechosamente parecidas y cuyo origen estriba en una extraña droga de diseño me sorprende mucho en la forma, y en el fondo es un clásico. La música va unida irremediablemente al viaje, a un chute desmesurado que nadie espera. La pastilla no supone un viaje psicodélico, sino un viaje estrictamente real, a un tiempo pasado y a un lugar. Y según dónde la consumas y solo ahí, en esos metros cuadrados, podrás regresar, en ambos sentidos, pasado su efecto, al origen. Si no vuelves a sentarte en esa roca, o a meterte en ese ascensor, o a tumbarte en esa cama, te quedarás en otra época para siempre. La banda sonora da con el sonido de esta fatalidad, del ritual y el sortilegio, con violencia electrónica, fría y despiadada, y algún toque hasta étnico, por lo de ancestral. Se percibe el peligro profundo con la música. Sientes el pavor.